Quando il cantiere diventa galleria

C’è qualcosa di volutamente paradossale nell’idea di affidare a un’opera d’arte il compito di rendere sopportabile un cantiere. Eppure è esattamente quello che accade a Piazza Venezia, dove i dieci silos della futura stazione della Linea C sono diventati la tela di “Futuro a Vista”, nuova installazione dell’artista Pierpaolo Ferrari realizzata nell’ambito del progetto “Murales. Arte contemporanea in metro”, promosso dal consorzio Metro C guidato da Vianini Lavori e Webuild.

Al centro dell’opera, due bambini con lo sguardo proiettato verso l’orizzonte: un’immagine semplice e potente, che trasforma la recinzione di cantiere da barriera urbana a finestra sul futuro. È il quarto intervento del percorso avviato nel 2024, dopo le opere di Pietro Ruffo, Marinella Senatore ed Elisabetta Benassi, e forse il più simbolicamente carico, perché insiste su uno degli spazi più densi di storia e di sguardi di tutta Roma. Sotto quei silos, a circa 45 metri di profondità, si sta costruendo una delle infrastrutture sotterranee più complesse d’Europa: otto livelli complessivi, sei interrati, e un’area museale che ospiterà i reperti emersi durante gli scavi, in dialogo diretto con il Vittoriano, Palazzo Venezia e i Fori Imperiali. Il progetto è patrocinato da Roma Capitale e realizzato in collaborazione con le Soprintendenze. Un dettaglio che, solo trent’anni fa, sarebbe sembrato fantascienza.

La lunga marcia della street art da reato a patrimonio

Per decenni la pittura murale fuori dalle gallerie è stata trattata come un problema di ordine pubblico. I writer deglii anni Ottanta e Novanta venivano inseguiti dalla polizia, i loro lavori rimossi nel giro di ore, le loro firme citate nei verbali come prove di reato. Keith Haring dipingeva di notte nella metropolitana di New York per non essere arrestato. Jean-Michel Basquiat firmava i muri di Manhattan come SAMO e viveva per strada. Banksy ha costruito la propria carriera sull’anonimato come unica protezione legale possibile.

Il passaggio da fenomeno trasgressivo a forma d’arte riconosciuta non è stato lineare né indolore. Ha richiesto decenni di mediazioni culturali, la complicità di galleristi coraggiosi, qualche caso giudiziario clamoroso e, soprattutto, la progressiva accettazione da parte delle istituzioni che certe immagini parlavano alle città in modi che i musei faticavano a raggiungere. Oggi Banksy è venduto da Christie’s. Le opere di Blu a Bologna vengono cancellate dallo stesso autore per protesta contro la musealizzazione. E il confine tra street art e arte pubblica commissionata è diventato così sottile da essere quasi invisibile.

Precedenti ed esperienze simili

L’Italia ha i suoi precedenti significativi. A Milano, il progetto “Walls” ha portato artisti internazionali a dipingere le pareti dei quartieri periferici, da Quarto Oggiaro a Nolo, con risultati che hanno trasformato intere zone della percezione urbana. A Napoli, i Quartieri Spagnoli ospitano da anni un museo a cielo aperto che parte dal celebre ritratto di Maradona di Jorit e si è espanso fino a diventare un itinerario turistico codificato. A Tor Marancia, periferia sud di Roma, il progetto “Big City Life” ha coinvolto oltre venti artisti internazionali per dipingere le facciate di un intero quartiere di edilizia popolare, con la partecipazione attiva degli abitanti. Ma forse l’esempio più vicino per spirito al progetto romano è quello di Parigi, dove in occasione dei lavori per la linea 15 del Grand Paris Express, la più grande opera infrastrutturale europea degli ultimi decenni, le recinzioni dei cantieri sono diventate supporto per installazioni artistiche temporanee firmate da artisti selezionati attraverso bandi pubblici. L’idea di fondo è la stessa: il cantiere non è una ferita nella città, ma una promessa. E l’arte serve a rendere quella promessa visibile mentre si aspetta che si avveri.

Il senso di un progetto

Quello che Vianini Lavori e Metro C stanno costruendo a Piazza Venezia non è solo una stazione. È un argomento culturale: la dimostrazione che un’infrastruttura può dialogare con il suo contesto invece di imporsi su di esso. In un momento in cui le grandi opere vengono spesso percepite come aggressioni allo spazio pubblico, scegliere artisti come Ferrari, capaci di lavorare sulla scala della città senza perdere la dimensione umana,è una posizione precisa.

I due bambini con lo sguardo all’orizzonte guardano verso qualcosa che ancora non c’è. È la stessa cosa che fa chiunque passi di lì ogni giorno, sbirciando oltre le recinzioni. L’arte, in questo caso, non decora: spiega.